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sábado, abril 30, 2005

COMPRA DE LA SEMANA (FERIA DEL LIBRO)

Esta semana, con ocasión de la feria del libro que hay en Santiago, la lista es bastante extensa y aun incompleta pues pienso volver esta tarde a hacer las últimas compras. Por suerte ya venia preparado para esta semana y llevaba ahorrando desde navidades que si no... En realidad hay tres veces al año en las que la lista de cómics comprados aumentan considerablemente y estas son el día del libro en abril, Viñetas dende o Atlántico en Agosto y las Navidades en Enero. Ahi va la lista, susceptible de ampliarse durante este fin de semana.


- Pollo con ciruelas: Lo último de Marjane Satrapi, autora de Persepolís. Hay quien encuentra su estilo gráfico demasiado simple e infantil pero, personalmente, la encuentro como una de las mejores narradoras de la historia del cómic. En esta ocasión nos presenta un relato de corte dramatico sobre un hombre que decide morirse (no suicidiarse). Por supuesto, esta dentro de su línea autobiográfica y familiar. Ya se sabe que las obras biográficas son mi debilidad.


- Sin City. La gran masacre: Para mi el mejor tomo de Sin City es el de Ese cobarde bastardo, pero estaba ahí y como era uno de los álbumes en los que se basaba la nueva película de Robert Rodríguez, pues se fue al cesto. Lo que me da miedo de la adaptación es que sea un completo calco del cómic. En fin, ya se verá.


- Lamu. Urusei Yatsura: Por fin ha llegado la digna edición de las aventuras de la extraterrestre más sexy del manga. Coñas aparte, esta es una de las pocas obras con las que me he reído a mandibula batiente cuando la publicaron hace tiempo de la mano de Planeta en una edición mutilada de Viz cómics. Ahora Glénat la recupera en su integridad y en una edición muy cuidada y con un exclente precio como todo lo que han publicado de Rumiko Takahashi. Hoy por hoy, Glenat es la mejor editora de manga en España.


- Rip Kirby 4: Continuan las emocionantes aventuras creadas por Alex Raymond y cada día me gustan más. La relación calidad/precio de Planeta es muy buena pero echo en falta una edición un pelín más cuidada. Espero que esto lo tengan en cuenta para la edición de El príncipe Valiente que saldrá el mes que viene.


- Ranma ½ 1, 2 y 3: Al final he decidido comenzar la colección de Ranma de Glenát por tres motivos1.- Es de Rumiko Takahashi. 2.- Lo publica Glénat. 3.- Está completa. Si a estos tres motios les sumamos la buena calidad de edición y el ajustado precio, pues me quedo sin argumentos para no comprarlo.


- Astroboy 3: ¿Hace falta decir algo de la creación más mítica del dios del manga, Osamu Tezuka? Edita, como no, Glénat.

Esta tarde o, como muy tarde, mañana, la lista se verá ampliada. Permanezcan atentos a sus pantallas. X.

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viernes, abril 29, 2005

TOCANDO LOS BORBONES (UNA VEZ MAIS)



¿Por que nadie dijo nada de esta foto cuando el follón del Prestige? Si es que hasta es la misma que emplearon para lo de Magneto. Esta foto y muchas otras cosas las podreís encontrar aqui. Un saludo. X.

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PROBLEMAS CON HELLO

No se por que, pero desde ayer que HELLO no me deja colgar ninguna imagen en el blog. Lo siento por los lectores pero hasta que no funcione no puedo poner ningun nuevo post. ¡Y eso que hoy tenía uno bastante interesante! Tan pronto como este solucionado, os lo cuelgo. ¡Eso si, de la COMPRA DE LA SEMANA de mañana no se libra nadie! X.

jueves, abril 28, 2005

JEROEN JANSSEN



Hoy tenemos a un autor belga nacido en Gante, cuyo trabajo esta influenciado por su estancia en Nyundo, Rwanda, entre 1990 y 1994 hasta que estalló la guerra. Aprovechó su experiencia en el continente africano para plasmarla en su primer álbum titulado Muzungu, Sluipend Gif (Robando el veneno) publicado en 1997 y que recibió cierto éxito de crítica además del premio Stripdagen Haarlem en 1998.
Su segundo libro, Een Nachtegaal en de Stad, (Un ruiseñor en la ciudad) fue realizado en colaboración con Pieter van Oudheusden, con quien colaborara numerosas veces en el futuro, mientras que su estilo toma rumbos más expresionistas y con reminiscencias a Edmond Baudoin. Le sigue el poético álbum Klaarlichte nacht (Noche ligera) y posteriormente Bakamé que recoge las aventuras de una liebre rastafari. También ha publicado historias cortas en las revistas Beeldstorm, Stripburger y Zone 5300.



Jeroen Janssen es poseedor de un estilo serpentino y colorista con influencias africanas, sobre todo en los retratos de las mujeres que retrata con rasgos étnicos.
Actualmente Janssen vive en Zomergem con su esposa Myriam y trabajando por horas como bibliotecario, jardinero o repartidor de publicidad pues no es capaz de vivir del cómic, aunque también es ilustrador independiente con la particularidad de pintar sobre bidones de plástico, procedimiento tomado de su estancia en Rwanda. También es cartelista, cuyos trabajos podemos ver repartidos por la ciudad y en los que podemos apreciar cierta aire popular de forma intencionada.

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miércoles, abril 27, 2005

LA ESPADA DEL INMORTAL



Por fin, después de algunos meses de espera, he podido adquirir el nuevo tomo de La espada del Inmortal, concretamente el que hace el número 17, pues tengo que reconocer que soy un adicto a esta serie desde que la empezó a publicar Norma allá por el año 1997 en una serie abierta de cómic-books que abarcaban la mitad de cada tomo japonés. Sin embargo, se canceló la serie en el número 10 por razones de ventas aunque la excusa que habían presentado era que se había alcanzado la edición japonesa y había que dejar pasar unos meses antes de ver los siguientes números. No volvimos a saber nada de ella hasta que la maravillosa editorial Glenát decidió recuperarla para su colección de Seinen Manga, publicando además los tomos que habían ido saliendo en el espacio de tiempo entre la cancelación de Norma y la recuperación de Glénat, y hoy hemos llegado al número 17 de los tomos japoneses que, si bien no es el que finaliza la serie, si aporta nuevos datos a lo que es por ahora uno de los arcos argumentales más interesantes. Actualmente, su publicación depende del ritmo de publicación japonés que, por cierto, es bastante lento al ser serializadas sus aventuras en la revista Afternoon de Kodansha, cuya periodicidad es mensual lo que significa que cada capitulo es publicado cada mes, haciendo su espera a la edición española un verdadero suplicio.
Y es que en La Espada del Inmortal, comenzada por un joven veinteañero Hiroaki Samura, contiene todos los ingredientes que la convierten en una serie de culto. Para empezar, en su guión hay una característica que llama poderosamente la atención y me deleita hasta extremos insospechados. Y esta es que no hay buenos ni malos, cada uno tiene sus razones por las que luchar y matar, dándole tanto la razón a Rin Asano, cuyos padres fueron asesinados por el Ittô-Ryû, como a Kagehisa Anotsu, líder del Ittô-Ryû. Y es la igualdad de condiciones entre ambos bandos la característica que más me tiene en vilo tomo tras tomo ¿Quién tendrá razón al final? ¿Tendrá Rin las suficientes razones como para poder llevar a cabo su venganza? Interesantes también son las disertaciones que se hacen acerca de la inmortalidad de Manji, siendo esta más un lastre que una ventaja, de cómo vivir es duro pero más duro es todavía no poder morir.
Tampoco podemos olvidarnos de la multitud de personajes que pululan por las páginas de cada tomo, siendo especialmente conmovedora la figura de Makie Otonotachibana, la de los ojos tristes, la que cambió la prostitución por la espada. Tampoco podemos olvidarnos del obsesivo Shira ¿Estará vivo todavía?
A todo ello tenemos que sumar un maravilloso dibujo que alcanza cotas increíbles en los primeros números, anotándose luego un pequeño bajón para luego volver a repuntar en los últimos tomos. Este dibujo en el que se combinan, sobre todo en los primeros tomos, viñetas a lápiz con otras trazadas en tinta, está al servicio de una historia llena de poética violencia, ambientada en el Japón del siglo XVIII, permitiéndose ciertas licencias estéticas que no hacen sino su lectura todo un deleite visual. Al principio las viñetas eran más elegantes y trabajadas, imitando las calidades de la característica pincelada japonesa que aparece en las ilustraciones del Ukiyo-e en las viñetas a tinta o el realismo anatómico más descarado en las ilustraciones a lápiz. Sin embargo en los últimos volúmenes se ha evolucionado a una línea más deshilachada, relegando el trabajo a lápiz a las portadas de cada capítulo o a escasas viñetas en las que se representa un momento importante. Este estilo no desmerece en absoluto sino que aporta una visión más intensa y desgarrada del drama que esta aconteciendo pues, ahora mismo, en este último tomo, el autor nos esta ofreciendo uno de sus arcos argumentales más escabrosos, en el que se hacen experimentos sobre la inmortalidad y como se puede traspasar esta a otra persona. Y es que a pesar de lo macabro que esta empezando a resultar el asunto, este no ha perdido ni un ápice de interés y más ahora que se ha enriquecido con la nueva faceta de Dôa Yoshino tras perder a su fiel compañero Isaku Yasonoôkami y la maduración interior de Rin Asano.
En definitiva, mi serie favorita del momento.
Ahora a soportar esta angustiosa espera de unos meses hasta que salga el siguiente tomo. Me tendré que hacer inmortal. X.

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ANTES MUERTA QUE ASEQUIBLE



Una tira de David Rámirez, realista a no mas poder. Gracias Irifit. X.

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martes, abril 26, 2005

¿QUE ASPECTO TIENE... ALEX RAYMOND?



Aspecto militar del dibujante de la mágnifica serie de Rip Kirby y de las aventuras de Flash Gordon.

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lunes, abril 25, 2005

ENTREVISTA A ÁLVARO PONS



Como ya dije la semana pasada, inauguro una nueva sección dedicada a entrevistas a autores de cómic y relacionados con él, inaugurándose esta con una entrevista a Álvaro Pons, el encargado de La Cárcel de Papel, una de las weblogs sobre cómic más visitadas de la red. En fin, aquí la teneís.

Xastriño.- Bueno, Álvaro, ¿Recuerda cuando y como se aficionó a los cómics?

Álvaro Pons.- No, la verdad es que no, desde que tengo uso de razón recuerdo tener un tebeo entre las manos. Sí que, más o menos, recuerdo que decidí empezar a coleccionar tebeos con la revista 1984 de Toutain, allá por el año 80… aunque el volumen de tebeos que había en mi habitación ya era considerable, pasaba de ser lector a coleccionista.

X.- ¿Recuerda como, cuando y porqué empezó a publicar La cárcel de Papel?

A.P.- Para eso están los archivos. Hace unos años me planteé montar una página Web en la que ir recopilando los artículos que voy escribiendo para diferentes revistas, recuperar los que había escrito desde finales de los 80… una especie de archivo personal. Rumiando esta posibilidad aparecieron los weblogs y me pareció un excelente formato para juntar ese archivo personal con una página donde fuera dando opiniones o hablando de cosas que no cabían en mis colaboraciones impresas.

X.- ¿Desarrolla alguna labor más aparte de la de como articulista en La Cárcel de Papel?

A.P.- Mi personalidad secreta es la de profesor de universidad, en la Facultat de Física de la Universitat de València.

X.- Ahora mismo La cárcel de Papel es una de los Blogs de Cómics más visitados. ¿Cómo se siente al respecto? ¿Cuál cree que es el secreto de su éxito?

A.P.- Abrumado y preocupado. Y no es falsa modestia, hace mucho que comento que no es lógico que tenga más éxito alguien que habla de tebeos que los propios tebeos. Es un error y un despropósito. Yo hablo de tebeos porque me gustan y quiero compartir mi experiencia con los demás, me encantaría que todo el mundo leyese tebeos, no que se me lea a mí. Lo del secreto del éxito… ¡ay! …Ni idea. Dicen algunos mails que me mandan que transmito entusiasmo por el tebeo y que se nota sinceridad en mis palabras. Es todo un halago, desde luego.

X.- La labor que lleva a cabo en La cárcel de Papel es ciclópeo ¿No es agotador a veces?

A.P.- De momento no, aunque el trabajo parece ser grande, lo cierto es que La Cárcel es hoy un weblog colectivo, que se nutre de las colaboraciones de muchísimos lectores que me mandan noticias, comentarios, información… Sin ellos no se podría hacer la página.

X.- ¿Qué proyectos relacionados con el cómic tiene para el futuro?

A.P.- Me lo reservo, que ya se sabe que estas cosas hay que callarlas, pero no te preocupes que en cuanto las tenga claras, las diré. De momento, me encuentro bastante contento con la cristalización que ha hecho Nacho Carmona de una idea lanzada al viento, Tebelogs!. Aunque es un trabajo al 100% de Nacho, me gusta pensar egoístamente que tuve algo que ver con todo…

X.- Ya se que no tiene una única obra de cómic preferida. Sin embargo puede, por favor, recomendar una obra de cómic y explicar el porque de dicha recomendación.

A.P.- Difícil pregunta, que depende siempre de a quién recomiende la obra. Casi de forma obvia diré que Krazy Kat, de George Herriman, un derroche brutal de imaginación, en la que se exploran caminos narrativos completamente innovadores. Casi cien años después de su creación sigue sorprendiendo y siendo moderna.

X.- ¿Cuál es su autor de cómic preferido? ¿Por qué?

A.P.- Will Eisner, un genio que definió el lenguaje del cómic. Todas las supuestas innovaciones que hoy muchos descubren en autores actuales ya las inventó Eisner en Spirit. Pero es que, además, demostró que la historieta servía perfectamente como medio de expresión válido para comunicar cualquier mensaje.

X.- ¿Qué opinión tiene del panorama tebeístico actual? ¿Cree que estamos viviendo una nueva edad de oro de los cómics o todo lo contrario?

A.P.- Para el lector es una edad de oro, con una oferta como nunca antes se ha visto. La variedad y diversidad de opciones que se tiene ahora en la librería especializada es sencillamente increíble. Pero esta sensación es engañosa: esta diversidad está recluida en la librería especializada y las tiradas siguen siendo mínimas, exiguas. Una burbuja que demuestra su debilidad cuando comprobamos que prácticamente ningún autor de historieta puede vivir de su trabajo en España.

X.- ¿Qué piensa acerca de la reciente invasión de Blogs dedicados al Cómic en la red y sus consecuencias?

A.P.- Excelente. Me parece genial, cuanto más se hable de tebeos, mejor. Los blogs son un sistema sencillo y rápido de publicar en Internet y es lógico que la explosión de este formato se haya extendido al mundo del tebeo. Me encanta ver que hay blogs excelentes que hablan de tebeo americano, de manga, que recuerdan obras olvidadas, que hacen parodia…Cualquier lector puede encontrar un weblog que le sirva de guía o ayuda.Las consecuencias son impredecibles, aunque es evidente que la actual explosión no creo que se mantenga. En la “blogosfera”, los blogs desaparecen a la misma velocidad que se crean, y supongo que algo parecido pasará en los dedicados al mundo del tebeo. Del centenar que hay ahora supongo que muchos caerán, se abandonarán…pero seguro que luego aparecen nuevos a reemplazarlos.

X.- Por último, ¿cree que el revuelo montado por las fotos de Borbón-Magneto ha sido excesivo? ¿Qué opinión le merece al respecto?

A.P.- Excesivo, muy excesivo. Un problema de propiedad intelectual parece que se ha convertido en un incidente diplomático. Una chorrada pero que parece que es habitual en los medios de comunicación que tenemos.Resulta curioso que la última vez que un tebeo fue protagonista de tertulias fue cuando se anunció que Lady Di aparecería en X-Statix… se ve que la realeza y los mutantes hacen mala pareja.

Esta ha sido la entrevista. Desde aquí quiero agradecer de nuevo a Álvaro Pons su inestimable colaboración en este proyecto de entrevistas de Xastriño cómics. Para la semana que viene tendremos otra entrevista, esta vez a un autor de cómic, más concretamente a uno de los participantes en el proyecto de Lanza en Astillero. Que la espera os sea leve. X.

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sábado, abril 23, 2005

LA COMPRA DE LA SEMANA Y OTRAS COSAS

Como podeís comprobar un poco más abajo, he inaugurado una nueva seccíon con el nombre de ¿QUE ASPECTO TIENE...? destinado a dar a conocer el rostro del/la responsable de los cómics que campean a sus anchas por nuestras estanterías y nos deleitan con sus historias. Todavía no tengo determinada la periodicidad de esa sección aunque lo más seguro es que, como las otras secciones, acabe siendo semanal.
Y si todo va bien, para la semana inauguro otra nueva sección que, espero sea de vuestro interés. Permanezcan atentos a sus pantallas.
Ahora pasemos a la lista de la compra de esta semana. De cómic tenemos:

- 20th Century Boys 5: ¡Que giro más radical! ¡Han vuelto a cambiar el papel de la sobrecubierta! ¿Como? ¿La historia? ¡Ah! Solo os dire una cosa... Acojonante. Lo cierto es que esta mágnifica obra de Naoki Kurosawa no se merece una edición tán pésima. ¡Si hasta los bordes de las viñetas parecen que estan bordados a punto de cruz!

Y nada más de cómic por esta semana, que toca penitencia por Ratzinger. Eso si, de DVD tenemos dos títulos más:

- Niebla en el alma: Con una Marylin Monroe deliciosamente desquiciada. De la colección de El Mundo, Marylin se sintió especialmente orgullosa de su interpretación en esta película.
- La Sra. Miniver: Atraído por los ambientes hístoricos de la segunda guerra mundial, acabé adquiriendo esta pélicula.

Y de libros no tuve que comprar ni uno. Es más, me lo dieron.

- Getty Images 1950's: Libro que recoge ímagenes fotográficas de la década de los 50 y pertenece a una colección de 10 libros, dedicados cada uno a una década del siglo XX.

Este fin de semana se presenta lluvioso. Aun así me acercaré por la feria del libro que han puesto en la alameda, a ver si encuentro algo interesante aunque lo más seguro es que acabe dilapidando mis ahorros. Desventajas de ser un aficionado a los cómics. X.

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¿QUE ASPECTO TIENE... DUPUY-BERBERIAN?


A la Izquierda, Philippe Dupuy. A la derecha, Charles Berberian.

Aqui tenemos a los culpables de que El señor Jean las pase canutas.

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viernes, abril 22, 2005

MIRADAS 2

Me comunica Jorge González que esta noche a las 21:30 en la 2, se entrevistara, además de Jorge González, a Esther Gili y Pablo Auladell en el programa Miradas 2. Estos tres sujetos son tres de los 21 autores que forman el equipo de Lanza en astillero. Por si todavía no lo sabéis, Lanza en astillero es un interesante proyecto de historietas de cinco páginas por autor dedicados a la figura de El Quijote. Entre los autores se encuentran Miguelanxo Prado (Trazo de Tiza) Andrés G. Leiva (Juana de Arco) Jorge González (Hard Story) Max (El prolongado sueño del Sr. T) Pere Joan (Azul y Ceniza), entre muchos otros de renombre. La portada correrá a cargo de Fernando Vicente. Edita Sins Entido.
No se lo pierdan. Esta noche a las 21:30.

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UN DIBUJETE



Hace tiempo que no ponía un dibujo de los míos en el Blog. Este fue realizado en el 99, cuando aún andaba holgazaneando por la Facultad de Bellas Artes. X.

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jueves, abril 21, 2005

KAMUI. LA ISLA DE SUGARU



Ayer, leyendo el segundo tomo de El lobo solitario y su cachorro de Kazuo Koike y Goseki Kojima me vino a la memoria uno de los primeros mangas que se publicaron en España y cuyo estilo y temática me recordaban a este. Estoy hablando de Kamui, con cuya relectura disfruté más que con El lobo solitario y su cachorro. Y eso que se trataba de una pequeña parte intermedia de una historia más amplia que nunca llegó a publicarse en España. La historia de Kamui en realidad tenía que haber comenzado con la saga Kamui Den (La historia de Kamui), y luego continuada con la saga Kamui Gaiden (La otra historia de Kamui). Esta alteración en el orden de publicación fue debido a dos factores.
El primero fue la política de publicación que tenía por aquel entonces Planeta de Agostini, publicando primeras partes de infinidad de series como El puño de la Estrella del Norte, Neo-Tokyo, Lycantrope Leo, Juliette, je t’aime, Lamu, etc… y que nunca llegaron a continuar y mucho menos a concluirse. Por fortuna, otras editoriales se encargaron de su recuperación y publicación completa como en el caso de Glénat (Ranma ½, Los Caballeros del Zodiaco) o Mangaline (Santuario). El objetivo de este sistema de publicación era dar a conocer el máximo número de series para ver cual respondía mejor y poder continuar con su publicación. Pocas obras fueron las afortunadas, como Alita, ángel de combate, entre otras.
El segundo de los factores era el completo seguimiento y calcado de las ediciones norteamericanas de Viz Cómics, ofreciéndonos obras incompletas o mutiladas, como fue el caso de Juliette je t’aime, actualmente publicada en una maravillosa edición por Glénat bajo el nombre original de Maison Ikkoku y en la que pudimos comprobar la aparición de nuevos capítulos que no aparecían en la edición de Viz Cómics publicada por Planeta.
En el caso de Kamui, se tomó una historia intermedia perdida entre ambas partes por ser esta bastante interesante según los cánones establecidos por Viz Cómics. Sin embargo, a pesar de algún que otro flashback y la ausencia de la presentación del protagonista, esta obra se puede leer de forma independiente. Y menuda historia.
Todo comienza en un pueblo de pescadores donde una mujer, Sugaru, es violada por dos campesinos para luego matarla pero para sorpresa de todos es poseedora de habilidades ninja descubriendo así su identidad. Sin embargo, los campesinos también son unos ninjas contratados para matar a Sugaru, una desertora. Kamui, el protagonista que pasaba por allí, le echa una mano y Sugaru en vez de agradecérselo intenta matar a Kamui tomándolo por un cómplice de los asesinos. Después de un largo combate, Sugaru finge su muerte.
Por otro lado, un tal Hanbei roba la pata del caballo de un señor feudal, que tiene la característica de tener la pezuña blanca, mientras los soldados van tras el. De nuevo aparece Kamui y esta vez, Hanbei, es más agradecido. Luego, Kamui se embarca siendo sorprendido por una tormenta que hace que el barco naufrague. Kamui es recogido por Hanbei y descubre que es el marido de Sugaru y tiene tres hijos, formando una familia de pescadores que viven en la isla de Kushiki. La extremada desconfianza de Sugaru, cuya identidad permanece oculta para su familia, persiste e intenta asesinarlo de forma discreta pero fracasando en el intento. Por otro lado, Hanbei construye con la pezuña del caballo un anzuelo y Kamui comprende, tras ir de pescar con él porque merecía la pena arriesgarse.
Mientras, la hija mayor de Hanbei y Sugaru, Sayaka, se enamora de Kamui, lo que hace que Sugaru no ceje en su empeño de matarle hasta que Kamui le ofrece su vida. En este momento Sugaru se da cuenta de su honradez. Hanbei es apresado por los soldados y a punto de ser ajusticiado, es rescatado por Sugaru y Kamui, uniéndose a un grupo de ninjas desertores como ellos, liderados por un tal Fudo. Para ganarse la vida se dedican a cazar tiburones para que los pescadores puedan faenar tranquilamente.
Fudo reclama la ayuda de Kamui para un asunto, resultando ser una trampa de la que sale airoso. A su regreso se encuentra con toda la familia de Hanbei y Sugaru muerta por envenenamiento. Fudo y Kamui se enfrentan en un emocionante duelo final. Una vez derrotado Fudo, Kamui lleva a cabo su venganza de forma realmente sangrienta.
Esta es la historia lo más abreviadamente posible que he podido escribir pues es muchísimo más compleja debido a las relaciones entre los numerosos protagonistas, de la que destaca la historia de amor entre Kamui y Sakaya pero que al no tener bastante peso en la historia, se separa de la línea argumental principal basada en la relación entre Sugaru y Kamui.
A todo esto, se me ha olvidado mencionar al autor. Sanpei Shirato. Sanpei es uno de los más importantes dibujantes del Japón histórico, siendo su tema predilecto la época feudal en el que demuestra su amplísima documentación. Uno de los aspectos más llamativos de sus mangas es el exhaustivo estudio antropológico para desarrollar sus historias. Así, al darse la acción en un pueblo de pescadores, asistimos a un largo escaparate costumbrista del estilo de vida de estas gentes. También podemos asistir a la cruel separación de clases feudales en la cual el menos favorecido era el campesino o el pescador. Su estilo gráfico es bastante similar a El lobo solitario y su cachorro, es decir con una pincelada sucia y dinámica y un estudio anatómico más basado en su expresividad y movimiento que en la corrección corporal.
Decididamente, nos encontramos ante una deliciosa pero brutal historia de ninjas. Al principio dije que había disfrutado más que con Kamui que con El lobo solitario, y la razón es que, mientras en El lobo solitario, su historia y protagonistas son excesivamente fríos, no me trago que el hijo del Lobo sea tan impasible. En cambio, los protagonistas de Kamui se dejan llevar más por sus pasiones, siendo estos más humanos y emocionantes. En fin, es cuestión de gustos pero, personalmente, prefiero leer a Kamui antes que a El lobo solitario. Espero que algún día se decidan a publicar la historia completa.

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miércoles, abril 20, 2005

LA ULTIMA GUERRA



Tardi es un buen ejemplo de autor que al principio no te convence demasiado tras echar un vistazo a sus álbumes pero que al final acabas por rendirte años mas tarde a sus encantos como guionista y dibujante de cómics. Esto fue lo que me sucedió hace tiempo con Adèle Blanc-Sec y para remediar este pecado he ampliado los títulos de este autor en mi biblioteca, entre las que se cuentan El exterminador de cucarachas, El demonio de los hielos, ¿Huele a muerto o que?, La patada, El soldado Warlot y La última guerra, siendo este último título el objeto de disección de hoy. En este volumen, Tardi vuelve a tocar uno de sus temas preferidos, la primera guerra mundial y sus consecuencias.
Basado en la novela Le der des ders, de Didier Daeninckx, un autor de novelas de intriga policiaca, la densidad de su relato y su adaptación exige en la versión de cómic una lectura atenta y minuciosa debido a la gran cantidad de detalles y personajes que pululan por el tebeo. La complejidad del relato puede desanimar a más de uno no habituado a este tipo de cómics con fragmentos de texto muy densos, sobre todo a los lectores habituales de manga. Pero no por ello deja de ser interesante. Trata del detective Eugéne Varlot quien es contratado por el Coronel Fantin para investigar un misterioso asunto de chantaje relacionado indirectamente con su infiel esposa. Sin embargo, cuando las cosas seguían su curso normal, la investigación es abruptamente cancelada por el mismo Coronel Fantin, motivo que levantara las sospechas de Varlot quien decide seguir investigando por su cuenta. Es en este momento cuando la historia toma un giro al ser asesinada la esposa del Coronel Fantin por un desconocido, recayendo las culpas sobre Varlot. Varlot intentara, entonces, dar con el desconocido para probar su inocencia, terminando su pesquisa en un lujoso inmueble ocupado por unos revolucionarios. Al final dará con la clave que le llevara por el camino correcto. No obstante el final puede sorprender a más de uno.
A lo largo del relato se alternan los recuerdos de Varlot en la 1ª guerra mundial, recuerdos que se pueden comprobar en el volumen titulado El soldado Varlot, publicado dentro de la misma colección y que arrojan una nueva luz acerca del personaje principal. La presencia y las consecuencias de la Primera Guerra Mundial estarán patentes a lo largo del relato y tomara gran peso en la historia en el momento adecuado.
El aspecto gráfico de Tardi se adapta con corrección al texto de Didier, siendo especialmente llamativa la reconstrucción de la época bajo formas simples pero efectivas, trazadas con una línea a medio camino entre la línea clara belga y el garabato. Estas líneas contienen un soberbio claroscuro a base de pinceladas de tinta que aporta, si cabe, mayor claridad al diseño. Los personajes tienen cierto grado de iconicidad, factor que no hace que sean esquemáticos y repetitivos sino que se mueven con soltura a través de los excelentes fondos del París de la posguerra. Y es en los fondos su aspecto más destacado pues Varlot se mueve por multitud de escenarios parisinos, tanto interiores como exteriores, que sorprenden por su variedad y su exhaustiva documentación.
Publicado en 1999 como el número 30 de la colección B/N de Norma Editorial, este es un cómic recomendado para lectores pacientes, amantes del misterio al estilo de Agatha Christie, de la novela histórica ambientada en la Primera Guerra Mundial y sobre todo para dibujantes callejeros.

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martes, abril 19, 2005

DIBUJAR O NO



Hace unos años, en la edición de Viñetas dende o Atlántico de 2003, cuyo plato fuerte fue una muestra de los trabajos de Alberto Breccia, enseguida me quedé enamorado de los originales de una pequeña historia titulada Dibujar o no, que pasa a ser el tema de comentario de hoy. Dibujar o no es una breve historia que condensa en sus 8 escasas páginas una magna lección de cómo hacer un buen cómic, por no decir que es mi cómic breve preferido. A partir de un imaginativo guión de Juan Sasturáin que narra la historia de un país dibujado gobernado por un déspota que no sabía dibujar, Alberto Breccia nos demuestra una vez más que es el Picasso de los cómics, como dijo el cineasta Fernando Pino Solanas. Pero vayamos por partes.
En primer lugar, el guión, aunque parte de una premisa casi infantil, encierra bajo su apariencia una hábil trama que denuncia las dictaduras y sobre todo a los gobernantes absurdos y despóticos que pagan con la sangre del pueblo sus frustraciones. Y es que la historia del tirano que no sabia dibujar capaz de condenar a un pueblo triste y oprimido pero, por encima de todo, que sabía dibujar como medio de aliviar su negra existencia, nos deja entrever ecos de países latinos cuya alegría de vivir contrasta con la negrura de los poderosos.
Sin embargo este guión no sería lo que es sin los dibujos de Alberto Breccia. Este autor uruguayo nacido en Montevideo en 1919, imprime a la historia de Juan Sasturáin un delicioso carácter único e irrepetible gracias a la expresividad de su dibujo más basado en la pincelada llevada por una mano nerviosa que en el trazo regido por normas académicas. En esta historia el color tiene una vital importancia, pues muchas veces es la mancha de color y no el trazo lo que se encarga de definir las formas y los volúmenes en una explosión de formas abigarradas y tremendistas.
La suma de ambas partes da como resultado una obra que, al margen de la historia que nos cuenta, nos introduce en un mundo de sensaciones coloristas que tienen mucho que decir. A pesar de la brevedad de las páginas, se puede observar una y otra vez su maestría a la hora de controlar unos colores escurridizos y aceitosos que parecen escapar por todas partes pero que saben quedarse donde deben estar.
¡Quien me diera dibujar como Alberto Breccia!
Obra creada en 1965, es de lamentar que no haya más obra de Breccia publicada en España aparte de Mort Cinder (Planeta) El buscavidas (Planeta) y Los mitos de Cthulhu (Sins Entido) y algun albúm suelto proveniente de editoriales sudamericanas. Creo que esta historia no ha visto la luz en España… por ahora.

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lunes, abril 18, 2005

PIPI Y POPO 11


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Atención. Esta es la continuación de la tira anterior. ¿que tal el fin de semana? Por mi parte, ensimismado en lecturas y relecturas de los álbumes de mi biblioteca. Esta es la lista de lo que leí:

- Ayako 1 y 2: relectura del tomo anterior para poder continuar con el segundo tomo que compre la semana pasada. No esperaba menos del maestro Tezuka.
- La torre: de Schuiten y Peteers. Arquitectura fantástica que enmarca un relato inquietante.
- Cuando los cómics se llamaban tebeos: La extensión de tan magno trabajo obliga lecturas pausadas y nuevas relecturas.
- La última guerra: de Tardi. Espero dejar mi comentario esta semana.

¿Y vosotros? ¿habeís hecho vuestros deberes? X.

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sábado, abril 16, 2005

COMPRA DE LA SEMANA

Buenas. Una semana mas que, a pesar de la avalancha de novedades, estas no han llegado todavía a estos lares. Las novedades siempre llegan con unas semanas de retraso, lo cual es bueno pues te da tiempo a mentalizarte antes de zambullirte en vez de avasallarte como un tsunami como acaba de ocurrir en Barcelona estos días, dejando con el perro y/o el/la novi@ hipotecad@s a más de un@. Mientras espero a las novedades, unas pequeñas compras para hacer la espera más llevadera. De cómic tenemos:

- Ayako 2: Hace mucho tiempo que tenía que haber comprado el último tomo de esta apasionante saga familiar firmada por Osamu Tezuka y que nada tiene que envidiar a Adolf o Buda. Edita Mangaline.
- Rip Kirby 3: Cada mes me sorprende más pues a pesar de ser una serie con más de 60 años de antiguedad devoro cada aventura suya ansiosamente. Alex Raymond nos sumerge en un mundo lleno de glamour y misterio a traves de las tiras diarias en las que posee un magistral uso de las técnicas narrativas en tan pequeño espacio.
- El lobo solitario y su cachorro 2: Cuando me hici con el primer número, hace más de un año, no estaba seguro de querer continuarla. Hoy he decidido dar una segunda oportunidad con la adquisición del segundo número.
- El señor Jean 4. Vivamos felices sin parecerlo: Nueva entrega de las amables peripecias del Señor Jean por Dupuy & Berberian, un dúo que dibuja a cuatro manos.

La sección de DVD viene marcada por el reciente descubrimiento de El Padrino.

- El padrino II: Casi tan apasionante como la primera, a pesar de la ausencia de Marlon Brando
- El Padrino III: Quizás la más floja de las tres pero que igualmente no desmerece a las dos primeras.

Eso es todo, amigos. X

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viernes, abril 15, 2005

ISOL



Hoy tenemos a una autora argentina que si bien es básicamente una ilustradora infantil, también se dedica a eso de los cómics. Por eso he decidido incluirla como autora de la semana. Esta ilustradora, nacida en 1972 en la ciudad de Buenos Aires, responde al nombre de Isol (Marisol Misenta) y ha ganado varios premiso como cuentista, poeta, ilustradora y dibujante de historietas, además de ser cantante. Colaboradora habitual del diario Clarín, entre otras publicaciones entre las que se cuentan las españolas Media Vaca, Fancómic, Ganadería Trashumante, Zona de obras y Mono gráfico, sus trabajos de cómic han visto la luz en las revistas argentinas de Lapíz Japones, El leñador anónimo, Vestíte y Andáte, El gallito Inglés y la brasileña El Olho Mágico.
Si bien su estilo es directamente infantil y a pesar de que la mayoría de sus publicaciones vayan dirigidas al pequeño público, Isol hace que sus deliciosas historias puedan ser disfrutadas por todas las edades, pues detrás de sus dibujos se oculta un afán de la autora por respetar la inteligencia de los niños y no tratarlos como si fueran niños sino como adultos, ofreciéndonos unas historias fascinantemente complejas y al mismo tiempo, contadas con códigos claros y transparentes capaces de ser entendidas por los más pequeños.
En sus álbumes no pierde de vista el concepto plástico y la estructura del libro, investigando las posibilidades del mismo como soporte de sus historias, trabajando con él y organizando una convivencia entre texto, ilustración y diseño que roza el perfeccionismo. Gráficamente es sumamente expresionista, con reminiscencias al underground pero al servicio del público infantil. Su técnica siempre se mueve en el terreno de lo experimental, llegando incluso a dibujar con la mano izquierda con el objetivo de descubrir sus posibilidades expresivas. Este método de trabajo nos presenta a una autora que confía más en la expresiva casualidad del trazo que en la aburrida perfección de la línea. Casi todos sus trabajos son a color, provenientes de una paleta de tonos suaves, dejando que sea el dibujo el que lleve la voz cantante.
Entre sus obras podemos destacar: Vida de perros ,Cosas que pasan, Regalo sorpresa, Intercambio cultural, El pequeño Equis, Tic Tac, El Globo, El cuento de Auggie Wren, (con texto de Paul Auster) Secreto de familia, Piñatas, y Tener un patito es útil.


No os dejéis engañar por su estilo infantil, pues sus obras encierran un mundo decididamente personal e interesante.

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jueves, abril 14, 2005

MAREA BAJA



Marea baja es un ejemplo de cómo un mal guión puede dar al traste con un estupendo dibujo como es el de Jean-Pierre Gibrat. Pero antes de nada empezare por el guión de Daniel Pecqueur, inscrito dentro de la categoría de ciencia ficción suave, según pone la contraportada de la publicación editada por Norma (antes muerta que asequible) en 1997. Este guión esta dividido en dos partes claramente diferenciadas. La primera trata de cómo Claire, una navegadora y su velero chocan con un buque, cuyos tripulantes son un científico loco, Tsuru, y su esposa Agathe. Ambos han creado en el interior del buque un gran aparato capaz de provocar un tsunami destinado a acabar con toda la humanidad en beneficio de la preservación del medio ambiente. Una vez rescatan a Claire, esta les regala el reloj en señal de agradecimiento sin sospechar que su pila es el único componente que les faltaba para llevar a cabo su diabólico plan que, naturalmente llevan a cabo. Esta parte se cierra con una representación de circo en el que un hombre se transforma en un mono de peluche, siendo este personaje el único punto de conexión con la siguiente parte, antes de ser el mundo arrasado por el tsunami.
Es de señalar que al pasar a la siguiente parte tenemos que volver a ponernos las pilas ante el comienzo de una nueva historia tras finalizar otra que ni parecía haber acabado, pues nada volvemos a saber de Claire, Tsuru o Agathe. Por el contrario, nos desplazamos a una Venecia arrasada por el mar donde una chica desnuda canta al borde de un canal, hasta que encuentra el monito de peluche proveniente de la segunda parte. Y este es el mayor fallo de la obra ya que se ha perdido mucho tiempo en unos personajes y una historia que nada tiene que ver con lo que vendrá a continuación. Simplemente han sido el desencadenante de una catástrofe que tampoco tiene mucho peso en la historia.
Siguiendo con la segunda parte, la chica desnuda da un beso al monito y este se convierte de nuevo en un hombre que responde al nombre de Jonás en una referencia bíblica. La chica resulta ser una sirena que se enamora de Jonás. Por el camino se encuentran a un chaval llamado Pierrot, uno de los pocos supervivientes gracias a un globo aerostático. En medio de esta historia se inserta otra pequeña acerca de los recuerdos de Jonás y su primera vez que se convirtió en mono. Pierrot encuentra comida y un revolver que, por accidente, hiere a Jonás. Para no morir este se convierte de nuevo en mono pues los peluches nunca mueren al tiempo que nos desvela el origen de sus transformaciones a cambio de sus recuerdos. Finalmente el mono de peluche se convierte en compañero de la sirena quien se aleja a través del mar dejando solo a Pierrot. Pierrot se encuentra con la muerte personificada en forma de hermosa chica con capa negra y guadaña y le perdona la vida a cambio de contar un chiste diferente cada día. Y hasta ahí la historia.
Esta es una sucesión de pequeñas historias encadenadas sin demasiada relación entre ellas y con personajes esporádicos cuya única función parece ser la de llenar los huecos dejados por la historia de Jonás y la sirena sin demasiada fortuna.
En fin, un guión que sin ser una maravilla, se puede leer.
Y es por los magníficos dibujos de Jean-Pierre Gibrat que esta obra se salve de caer en la hoguera del desinterés. Gibrat, de origen francés, ya era conocido por su obra erótica Pinocha y más tarde por la obra en dos volúmenes La prórroga, además del primer volumen de El vuelo del cuervo, todas ellas publicadas por Norma Editorial (antes muerta que asequible). En todas sus obras es notable su excelente dominio del dibujo, sobre todo en las expresiones faciales y los cuerpos femeninos, con un maravilloso uso del color. También muestra un sorprendente dominio de los fondos arquitectónicos como se puede ver en las imágenes de la ciudad de Venecia arrasada por el maremoto con la estatua de la libertad encajada en uno de sus canales.
Y es el dominio técnico de Gibrat que convierte la lectura de esta obra un placer visual a pesar de la mala construcción de su guión.
Por fortuna, en sus siguientes obras, el mismo se encargara del guión con buenos resultados, si no, echen un vistazo a La prórroga.

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miércoles, abril 13, 2005

CRYING FREEMAN



Crying Freeman es uno de los primeros mangas adultos, junto con El puño de la Estrella del Norte, publicados en España una vez iniciada la fiebre ocasionada por Dragon Ball, cuya lectura supuso un importante impacto que motivo la curiosidad por los cómics del país del sol naciente. Creado por Kazuo Koike, uno de los guionistas de más prestigio en Japón y ahora de rabiosa actualidad en España gracias a la publicación de El lobo solitario y su cachorro, con dibujos de Goseki Kojima. Los dibujos de esta obra corren a cargo del fantástico Ryoichi Ikegami, quien logró emocionarnos con Mai, la chica con poderes, también con guión de Kazuo Koike e intrigarnos con la trama mafiosa de Santuario.
La historia de Crying Freeman, iniciada en Japón en 1986 y finalizada en 1989 en 9 tomos, trata de un asesino a sueldo perteneciente a la asociación secreta china denominada los 108 dragones y que responde al nombre de Yo Hinomura. Lo especial de este joven miembro es que llora cada vez que comete un asesinato. Sin embargo, una chica que ha presenciado dos de sus asesinatos es su próxima víctima pues sin quererlo es retenida por el policía Nitta para que le informe sobre su paradero. Sin embargo Emu Hino, que así se llama la chica está preparada para morir. Cuando Emu se encuentra frente a él, le pide un favor: que antes de matarla le haga el amor, pues es virgen. Yo accede a sus deseos pero una vez consumado el acto es incapaz de matarla, descubriendo así el amor. Herida de gravedad por miembros de una banda mafiosa a quien Yo mató a su líder en el segundo asesinato presenciado por Emu, Yo la pone a buen recaudo en un lugar de Goyoko, donde le contará su turbulento pasado y como comenzó a ser un asesino, estrechando la relación entre ambos.
Sin embargo, Ryuji, el sucesor del jefe de la banda mafiosa asesinado por Yo, no ceja en su empeño de vengarse, siendo finalmente asesinado por Yo. La viuda de Ryuji, Kimie Hanada, seduce al policía Nitta para vengar la muerte de su marido, enfrentándose ambos a Yo en un emocionante duelo final que contara con la participación de Emu.
Esta es, a grandes rasgos, la historia de la primera etapa de Crying Freeman que abarca los dos primeros tomos de la edición original japonesa y que ha sido publicada en España por parte de Planeta a partir de la edición de Viz Cómics en 1992 en una colección de 8 números. Esta es una historia con grandes dosis de acción y emoción, siendo especialmente conmovedor el encuentro entre Yo y Emu y la perdida de su virginidad. Este episodio, de altísimo voltaje erótico, nos aportó los primeros datos sobre la censura japonesa en la que se prohíbe la representación de los atributos sexuales y el vello púbico, hábilmente insinuados gracias a unos recursos hasta ahora desconocidos para el público español.
Es el dibujo el apartado más destacado de esta obra en el que Ryoichi Ikegami sorprendió a muchos con su habilísima pincelada que traza unos rasgos occidentales pero que mantienen su espíritu oriental, siendo este uno de los autores más accesibles para el lector occidental. Sus dibujos son descaradamente realistas y expresivos, con un perfecto conocimiento de la anatomía masculina y femenina si bien peca de excesivo idealismo a la hora de representar al protagonista principal y que se repite en todas sus obras. Ryoichi Ikegami es capaz de pasar de una sensual ternura a la más agresiva de la violencia, sin paños calientes, produciendo un gran impacto en el lector de principios de la década de los 90. Supongo que ahora, después de haber visto de todo nos parecerá suave, e incluso motivo de risa pero en aquellos años dio una idea bastante amplia de hasta donde podían llegar los japoneses en cuanto a violencia y erotismo dejando pequeños a otros autores occidentales.
Este cómic conoció una versión cinematográfica en 1995 dirigida por Christophe Gans y protagonizada por Mark Dacascos en una correcta adaptación del original.
Por cierto, los interesados en esta obra están de enhorabuena pues Planeta ha decidido recuperar este cómic para añadirlo a la lista de novedades del Saló del Cómic de Barcelona y que, es de suponer, se publicara completa.
Un gran cómic y uno de los referentes de la historia del manga en España.

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martes, abril 12, 2005

BOLETIN CÓMIC TECLA 13



Uno de los mejores boletines sobre cómic son los que ofrece bimestralmente la Biblioteca Tecla Sala de L´Hospitalet a traves de la página del ayuntamiento. Este boletin ha llegado a su número 13 y podeís echar un vistazo aqui:

- Boletín cómic Tecla 13

Incluye, ademas de las noticias en el mundo del tebeo, los siguientes artículos:

- De cómo hice un viaje de vuelta a los cómics pasando por las bibliotecas de Juanjo Arranz.
- Cómics, historietas, tebeos y bibliotecas de Hèctor Calvet y Sergio Calvet.

También incluye una sección de novedades recomendadas así como reseñas de las siguientes obras:

- 20th century boys por Antoni Guiral
- Invencible por Hèctor Calvet
- Mátame por Juan Manuel Díaz de Guereñu
- No me lo digas con flores por Carmen Ortega
- Rip Kirby por Jaume Vilarrubí
- Peter Pan por Hèctor Calvet
- Red Rocket 7 por Jaume Vilarrubí
- Espera por Jaume Vilarrubí
- Venga saca las joyas por Antoni Guiral

Y para los interesados en números atrasados, podeis pinchar en los siguientes enlaces:

- Boletín cómic Tecla 12
- Boletín cómic Tecla 11
- Boletín cómic Tecla 10
- Boletín cómic Tecla 9

Estos son los números que hay disponibles actualmente.

Os recomiendo fervientemente su lectura, sumamente interesante y didáctica. Que lo disfruteis. X

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BEAVIS AND BUTT-HEAD



Como hoy me he levantado un poco escatológico comentare uno de los cómics más descaradamente zafios que han pasado por mi estantería en los últimos años. Estoy hablando de Beavis and Butt-head. Estos personajes, creados nada menos que por un psicólogo, Mike Judge, nacieron el 8 de marzo de 1993 en el programa de MTV, Liquid Televisión, y desde entonces ambos zopencos han sido elevados a la categoría de símbolos culturales, convirtiendo su estupidez en una forma de arte que incluso ha sido analizado por respetados semióticos. ¿Dónde? Aquí.
Tengo que reconocer que verlos en la tele tenía su gracia, debido a su innata estupidez y su garrulez. Su función en la MTV era la presentación de videoclips musicales de forma zafia y sarcástica, pero sobradamente estudiada, al tiempo que protagonizaban un argumento falto de toda ética y moral. Su cometido en su versión sobre papel no cambia mucho, solo que su atención se centra en los cómics, por lo general sacados del circulo mainstream, al mismo tiempo que desarrollan estúpidas aventuras provocadas por su mente unineuronal. Lo creáis o no, el origen de estos cómics parte de un acuerdo entre Marvel y la MTV, dejando el guión en manos de Mike Lackey y el dibujo a cargo de Rick Parker. Su publicación en España se dio en 1995 de la mano de Planeta dentro de World Cómics y no ha durado demasiado tiempo, siendo finalmente recopilados en uno o dos tomos y vendidos a precio de saldo.
Y ahora si me lo permiten, voy a descargar toda mi mala baba con este cómic.
En un intento de captar el espíritu contracultural de la serie de la MTV, las aventuras de Beavis and Butt-head parecen que han sido pensadas por una neurona coja y escritas sobre papel de cagar. Dichos argumentos poseen una asombrosa capacidad para crear una absurda reacción en cadena que les hará hundirse constantemente en la mierda por el más miserable acontecimiento. Sus diálogos son repetitivos, intencionadamente incoherentes y plagados de confusiones semánticas de carácter escatológico o pornográfico. Además las putas risitas de Beavis y los jodidos jadeos de Butt-head ponen un rato nervioso al personal.
Insertadas en medio de la historia aparecen comentarios de cómics mainstream como el Punisher y similares, sorprendentemente dibujados por el mismo autor, estableciendo un cambio radical en su grafismo de subnormal profundo.
Y digo estilo de subnormal profundo, pues parecen dibujados con el culo, sin la más mínima preocupación por la perspectiva o la anatomía, siendo las caras de Beavis y Butt-head, unos patrones repetitivos con su versión de frente, perfil y espalda, sin apenas movimiento en contraste con los personajes secundarios, más trabajados.
Parecen historias dibujadas por un chaval presidiario en potencia. Las cosas acontecen en un estilo directo y sin alusiones. Es decir, que te vomitan directamente a la cara y te quedan los tropezones de guisantes en el pelo, y encima te ríes.
En definitiva, como dirían los protagonistas, apestan.
Pero si alguna virtud hay que encontrarle es el inmenso trabajo de los rotulistas que han calcado a la perfección las letras-dibujos de su versión americana. Un trabajo tan bien hecho como inútil.
Por suerte sólo tengo los dos primeros números.

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lunes, abril 11, 2005

PIPI Y POPO 10


Pincha sobre la imagen para verla mas grande

De nuevo con vosotros, los pajaros más cagones del universo. ¿Que tal el fin de semana? Por mi parte, cojonudo. Hala, hasta mañana. X.

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sábado, abril 09, 2005

LA COMPRA DE LA SEMANA

Una semana más. Una compra más. Y sin más preámbulos, aqui os dejo la lista:

- Siempre podemos ser amigos: De Mawil. Solo ver la portada y el título, además de ser autobiográfico que son mi debilidad, me dije ¡Tiene que ser mio, ya! Y la verdad es que tiene muy buena pinta.
- Maison Ikkoku 5: ¿Hacen falta palabras para una de las obras más geniales del manga publicado en españa?. Además de estar en una edición impecable está muy, muy bien de precio. Espero con impaciencia los tomos de Urusei Yatsura, una novedad de Glenat para el Saló del Cómic de Barcelona. Ambas de Rumiko Takahashi.
- El asunto Tornasol: Sigue el ataque nostalgico con un nuevo tomo de Tintín

y de DVD's, por fin he podido expiar un pecado:

- El padrino: Resulta un pecado imperdonable y díficil de expiar no haber visto nunca ninguna de las partes de El padrino de Coppola.
- Bonnie & Clyde: De la colección Cine de Oro de El País.

Eso es todo por esta semana. Hasta el lunes. X.

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viernes, abril 08, 2005

MATEJ LAVRENCIC



Esta semana tenemos a un autor esloveno, Matej Lavrencic, uno de los autores con más talento de la nueva generación eslovena de cómics y dibujante habitual del Stripburger. Para los que no conozcan lo que es el Stripburger, diré que se trata de una publicación antológica multicultural y multilingüe que se dedica a recoger muestras de cómics de los lugares más dispares del mundo como Brasil, Israel, Corea, Albania o Kazajstán, además de ser anfitrión de renombrados artistas como Peter Kuper, Jason, Edmond Baudoin, Lewis Trondheim y Joe Sacco. A través de sus 12 años de historia se ha consolidado como un punto de referencia en la comunidad internacional de los tebeos, además de ser el máximo representante de los cómics de su país. Pero Stripburger no solo se dedica a publicar tebeos sino que también organiza talleres, conferencias y exposiciones con el objetivo de promover el cómic. Todo un ejemplo a seguir.
Pero volviendo a Matej Lavrencic, este posee dos estilos bastante distintos. Por un lado tenemos al Matej de trazo suelto y garabateador con fuertes claroscuros que podemos encontrar en sus historias publicadas en el Stripburger, y por otro lado tenemos al Matej totalmente icónico y pixelizado que indaga en las estéticas de los primeros videojuegos como el Pac-Man y demás títulos de la consola Spectrum o el Commodore. De este estilo tenemos The prince of Goloveg, una suerte de aventura gráfica en forma de cómic. Una idea original y nada desdeñable de la que dejo una muestra.



Realmente curioso. Para los interesados en su segundo estilo, os dire que también ha publicado dos obras bajo los esquematicos títulos de 16kbt/s y 1.1.2000. Ala, a flipar en colores. X

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jueves, abril 07, 2005

UN GRABADO



Esta semana me apetecía poner uno de mis grabados que realicé durante mi época de estudiante, por lo que os dejo este, realizado con punta seca y aguafuerte. Y ahora un poco de historia. Hace unos años tuve la suerte de obtener una especie de beca para realizar unos cursos en La Habana y ahi me tiré nada menos que un mes, sin hacer otra cosa que sacar fotografías y más fotografías con la reflex de mi padre. Y una de las instántaneas que he sacado fue de esta niña poniendo las banderitas cubanas en un cordel para luego colgarlas por la calle. Por lo visto era el aniversario del C.D.R., algo relacionado con la revolución. La foto en sí era muy hermosa y se me ocurrió hacer una versión en grabado que me costó lo suyo pero de la que estoy muy satisfecho del resultado. Y aquí lo teneís. Pinchad sobre la imagen para verla más grande. X.

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miércoles, abril 06, 2005

LEO VERDURA



Si me preguntasen por una publicación infantil de calidad, si duda pondría en primer lugar a El Pequeño País, pues sus contenidos, además de variados, eran muy amenos. Pero no estoy hablando de El Pequeño País de ahora sino el de los años 80 y principios de los 90, cuando había trabajos de Pere Joan (Anás) Max (La biblioteca de Turpin) Hergé (Objetivo: la luna y Aterrizaje en la luna) Ricardo y Nacho (Goomer), etc, etc… Y una de mis series preferidas era Leo Verdura, del fallecido Rafa Ramos.
Leo Verdura es un león, vegetariano e ídolo amoroso de las gacelas, que hizo acto de aparición en el año 1986, cuyas características son ecologista, inofensivo, familiar e inconformista. Rodeado de su esposa, la leona Katya, sus hijos Stanley y Livingstone, su amigo leopardo Raad y el Bebe Gorila, sus aventuras son un compendio de la convivencia en la naturaleza a través del prisma humorístico de Rafa Ramos, en donde se enfrentaran a los males de la civilización como los cazadores furtivos y la contaminación. Pero en sus páginas semanales también hay conflictos internos entre los personajes que vienen marcados por su característica personalidad. Así, asistiremos a las trifulcas entre Katya, carnívora compulsiva y Leo, vegetariano consumado incapaz de traer una jugosa gacela para alimentar a la familia, las travesuras de Stanley y Livingstone que desquician a toda la selva y los problemas psicológicos de Raad. En definitiva, unos personajes entrañables y difíciles de olvidar que se desenvuelven con un grafismo a medio camino entre el Carlitos de Schulz y el Olafo, el terrible de Chris Browne y una exquisita gama de acuarelas.
Es de lamentar el prematuro fallecimiento de este autor nacido en málaga y residente en Pamplona, a la edad de 56 años, que le aconteció en forma de fallo cardiaco mientras trabajaba en el proyecto de animación de nuestro Leo Verdura. Una pena, pues a buen seguro hubiera sido el más interesante de sus trabajos. Solo nos queda disfrutar de las aventuras que nos dejó, no solo las de Leo Verdura sino también las de Aitor y los Vascones, una serie humorística de ambientación histórica publicada en El Diario de Navarra. Y por increíble que parezca, también colaboro en sus comienzos con la editorial Toray con la serie de Hazañas Bélicas. Otras obras suyas serían Galax, el Cosmonauta publicado en Bravo!, La señorita Ana en el DDT y colaboraciones con varios guionistas como Andreu Martín y Víctor Mora. Un autor a redescubrir a pesar de su breve pero genial obra.

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martes, abril 05, 2005

PROMESA



Antes de comentar la que fue la primera obra de Shojo Manga publicada en España, voy a explicar un poco dicho concepto de Shojo. Estoy seguro de que habrá gente que se habrá aburrido de escuchar lo que significa Shojo, una y otra vez, pero también estoy seguro de que hay bastante gente que no tiene ni idea del significado de dicho término. Así que los entendidos, podéis saltaros esta definición. Y en cuanto a los principiantes, sed bienvenidos al apasionante género del Shojo Manga.
El Shojo Manga es, junto con el Shonen Manga, los dos géneros por antonomasia del imperio comiquero de Japón, aunque soy en absoluto partidario de clasificar los cómics por géneros sino en obras buenas y malas. (Para más información véase la cárcel de Papel, en la que apareció un interesante post sobre los géneros) Sin embargo, estos dos definiciones no crean una escisión de géneros sino que encierran dos formas y maneras de pensar y ver el manga.
El Shonen se refiere al manga dibujado por y para chicos, con altos contenidos de fantasía y violencia. Un buen ejemplo sería el Dragon Ball de Akira Toriyama o Los caballeros del Zodiaco, de Masami Kurumada. El Shojo Manga, por el contrario se refiere al manga dibujado por y para chicas, encontrando como mejor ejemplo ejemplo el Candy, Candy de Riyoko Ikeda. Comparando ambas series, es difícil encontrar puntos en común.
Sin embargo, estas son unas definiciones demasiado amplias, pues es de señalar que desde la segunda guerra mundial hasta los años 60 este género era dibujado por artistas de Shonen, incluyendo al padre del manga, Osamu Tezuka, con la obra La princesa Caballero (publicada por Glénat) y no fue hasta 1972 con la publicación de La rosa de Versalles, de la autora Riyoko Ikeda, cuando apareció el Shojo Manga propiamente dicho. Además, actualmente, la frontera entre el Shonen y el Shojo esta cada día más difusa. Si no véase el cuarteto de autoras japonesas, las Clamp y su última obra, X-1999, con ingentes cantidades de violencia al servicio de románticas historias de amor.
En fin, estoy generalizando. Lo cierto es que la propia definición de Shojo conlleva a unas historias más basadas en los sentimientos que en lo fantástico, mientras que en el Shonen sucede al revés, prima lo fantástico sobre los sentimientos. Pero, ojo, que el Shojo signifique historias de sentimientos, no implica que sean historias sentimentales, ni mucho menos. Si bien el romance es uno de los temas más recurridos en este género, se presta más atención a la naturaleza del romance que la historia de amor en sí.
Una de las características que definen el Shojo Manga es su grafismo, totalmente diferente del Shonen. Es bien visible la utilización de múltiples recursos expresivos capaces de plasmar cualquier emoción que nos podamos imaginar, empleando para ello los fondos expresionistas, composiciones de páginas muy barrocas con la combinación de dibujos muy simples, etc... Una suerte de arte en el que todo vale, con tal de conseguir representar el efecto que se desea plasmar llegando a alcanzar cotas estremecedoras en algunos casos y otras que sorprenden por su simpleza pero con un efectismo capaz de ponernos la piel de gallina.
Y todo esto es quizás la característica más palpable de los Shojo Manga, capaz de hacer que sus historias vibren a través de un estilo aparentemente sencillo. Pero todo esto voy a dejar que lo comprueben por sí mismos. Y ahora voy a pasar a comentar esta obra, considerada según la introducción de Matt Thorn, el primer Shojo publicado en España (Aunque para mí en realidad fue Candy Candy, por parte de la editorial Bruguera). Esta es Promesa, de Keiko Nishi.
Promesa consta de dos pequeñas historias. La primera que da titulo al volumen, Promesa, trata de una estudiante de instituto, Reiko, aburrida de la vida, cuyas razones las podemos encontrar en la muerte de su hermano gemelo nada más nacer y las cuestiones de cómo habría sido su vida si su hermano viviera, además de la reciente muerte de su padre. Hasta que aparece un chico, Taro, que parece sacarle de su aletargamiento. Con la introducción de ciertos elementos fantásticos poco palpables, esta es una emocionante historia sobre el sentirse fuera de lugar en este mundo. Un tema sin desperdicio, ¿no?
La siguiente historia, Desde que te has ido, trata de un terremoto, un hombre casado con una mujer taciturna y su amante. Trata de un triangulo en la encrucijada de sus vidas.
Son estas dos historias que se mueven al compás de una música triste que parece alegrarse por momentos para luego seguir con la misma cantinela. Gráficamente son extremadamente simples (sin llegar al nivel de Shin Chan) pero con una serie de recursos expresionistas y gráficos que hacen la lectura de este albúm un momento tristemente delicioso.
Publicado en 1995 por Planeta dentro de su colección de nóvelas gráficas, te prometo que te gustará.

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lunes, abril 04, 2005

PIPI Y POPO 9



Bueno
Una semanita mas
Una cagadita mas
¿a que rima? ¿eh?... Vale de acuerdo, la rima es de pacotilla, pero bueno, no me apetece estrujarme el cerebro esta semana. Por lo menos que goceis de la tira, y si pinchais sobre ella, la tendreis mas grande ¿captais el juejo de palabras? ¿Eh? je, je ... Bah, olvidadlo. X.

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sábado, abril 02, 2005

COMPRA DE LA SEMANA

De nuevo una semana más de compras. Ahí van:
- Penny century 3: La maravillosa serie de Jaime hérnandez sobre las chicas mas alegres y vitalistas del mundo. Edita La Cúpula dentro de la colección Fuera de serie comix.
- 20th Century Boys 4: ¿Porque seguire comprando este fraude de calidad por parte de Planeta? Quizás porque la serie es de lo más interesante pero seguro que dentro de unos meses me arrepentiré de haber sido engañado como un chino. ¿Quien será Sadakiyo? Aunque creo que ya se quien es. Je, je.
- La casa de los secretos: Aprovechando las fántasticas ofertas de Norma, he comprado el ciclo completo de La casa de los secretos. No es una maravilla pero entrentiene y mete suspense. De Steven T. Seagle y Teddy Kristiansen.
- Tintín en el Tíbet: El clásico de toda la vida, de la que aún no he completado la colección. Un ataque de nostalgia, supongo.
- Tintín y las 7 bolas de cristal: Otro título de la colección. Todavía no se por que aún hay gente que piensa que no hay vida más alla de Asterix y Tintín, cuando son tan buenos como cualquiera de las creaciones actuales.
- Old Boy 4: Sigue esta estupenda serie de misterio e intriga que dió pie a la pelicula premiada en Cannes y Sitges. Con guión de Garon Tsuchiya y dibujo de Nobuaki Minegishi, imprescindible.

Y aprovechando la semana fantastica del Cortíngles, tres pelis:
- Zorba el griego: Aparte de dos escenas espantosas, maravillosa.
- Las uvas de la ira: Todo un clásico de John Ford.
- La vuelta al mundo en 80 días: Todo un catalogo de Folcklorismo que me arrepiento de haber comprado. No os dejeis engañar por su oscar a la mejor pelicula, pues con Cantiflas toreando a una bailaora sevillana... para verlo una vez y en la tele. Eso sí, muy buena música.

Y nada más por esta semana. Hasta la próxima y no olviden supervitaminarse y mineralizarse. X

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viernes, abril 01, 2005

MICHALIS PAPASTEFANAKIS



En mi afán de indagar y comentar obras poco o nada conocidas he encontrado este autor griego, más concretamente de Creta: Michalis Papastefanakis. Su personaje más conocido, por no decir el único, es Manousakas. Personaje concebido en 1987, es el reflejo del lado cretense más tradicional y arraigado a las viejas costumbres que intenta sobrevivir en clave de humor en el mundo moderno de hoy. Portador de tres objetos que lo caracterizaran y lo relacionaran con el pasado son su Skaftiko, una suerte de tractor que usa como medio de transporte en la gran ciudad, su Lyra, instrumento parecido a un violín y su Vraka o cuchillo, símbolo de su virilidad. Estos tres objetos darán lugar a hilarantes situaciones. Otro de los rasgos que caracterizan es su ingenuidad y buen corazón, y su incapacidad para entender que los tiempos han cambiado.
Sus aventuras publicadas en la revista Stigmes se desenvuelven a través de viñetas mudas con globos conteniendo signos u objetos en forma de jeroglíficos. Su estílo gráfico es simple y rapido, destacando la fuerza expresiva de la línea al estilo de Sempé o Quentin Blake.
Para terminar, señalar que este es un personaje muy querido y popular entre los cretenses, de la misma forma que Asterix para los franceses o Superlópez para los españoles.

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